GRACIAS, 2014

A modo de reflexión para despedir un año repleto de logros y muchas bendiciones.

1. Love recognizes no barriers.  It jumps hurdles, leaps fences, penetrates walls to arrive at its destination full of HOPE.     Maya Angelou

 2. Si quieres oír cantar a tu alma has el silencio a tu alrededor.     Autor desconocido

3. If you have GOOD THOUGHTS they will SHINE out of your face like SUNBEAMS and you will always look LOVELY.     Roald Dahl

El año que se aproxima se siente ya como un inmenso acontecimiento escarchado de brillantes estrellas y repleto de metas alcanzadas a cada suspiro.  Debemos aprender a respirar en el estado de abundancia que se nos provee para poder aprovechar lo nuevo que nos irá llegando con cada inspiración.  Vamos a darnos la oportunidad ya.









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Más allá del bien y del mal

Friedrich Nietzsche

Sección sexta: 
Nosotros los doctos


Un inmenso abrazo de parte de todos los que colaboramos aquí en STANZA.  Ha pasado algún tiempo desde nuestra última entrada y deseamos aprovechar esta temporada de Navidad para felicitarles y desearles una Navidad llena de mucha ilusión y un año nuevo repleto de sueños cumplidos.  Deseamos retomar nuestro trabajo brindándoles un extracto de la obra de Friedrich Nietzsche, Más allá del bien y del mal, para que puedan tener la oportunidad de reflexionar sobre lo que el filósofo trata de decir en esta porción de su libro.  A la vez que analizamos esta obra llevamos a cabo un trabajo investigativo donde nos hemos topado con cosas que nos han puesto a pensar mucho más allá de lo que esperábamos y es por eso que deseamos compartir este segmento con todos nuestros seguidores.  Esperamos que lo puedan disfrutar y sobre todo que les sea de provecho y que de alguna manera les hable como nos habla a nosotros en STANZA.  Aquí tienen el extracto de la sexta sección de Más allá del bien y del mal de Friedrich Nietzsche.  

El hombre objetivo es un instrumento, un instrumento de medida y una obra maestra de espejo, precioso, fácil de romper y de empañar, al que se debe tratar con cuidado y honrar; pero no es una meta, un resultado y elevación, un hombre complementario en el cual se justifique la restante existencia, no es una conclusión - y menos todavía es un comienzo, una procreación y causa primera, no es algo rudo, poderoso, plantado en sí mismo, que quiere ser señor: antes bien, es sólo un delicado, hinchado, fino, móvil recipiente formal, que tiene que aguardar a un contenido y a una sustancia cualquiera para «configurarse» a sí mismo de acuerdo con ellos, de ordinario es un hombre sin contenido ni sustancia, un hombre «sin sí mismo». En consecuencia, tampoco es una cosa para mujeres, in parenthesi [dicho sea entre paréntesis].

Acaso para la educación del verdadero filósofo se necesite que él mismo haya estado alguna vez también en todos esos niveles en los que permanecen, en los que tienen que permanecer sus servidores, los trabajadores científicos de la filosofía; él mismo tiene que haber sido tal vez crítico y escéptico y dogmático e historiador y, además, poeta y coleccionista y viajero y adivinador de enigmas y moralista y vidente y «espíritu libre» y casi todas las cosas, a fin de recorrer el círculo entero de los valores y de los sentimientos valorativos del hombre y a fin de poder mirar con muchos ojos y conciencias, desde la altura hacia toda lejanía, desde la profundidad hacia toda altura, desde el rincón hacia toda amplitud.

«El más grande será el que pueda ser el más solitario, el más oculto, el más divergente, el hombre  más allá del bien y del mal, el señor de sus virtudes, el sobrado de voluntad; grandeza debe llamarse precisamente el poder ser tan múltiple como entero, tan amplio como pleno». Y hagamos una vez más la pregunta: ¿es hoy posible la grandeza?

Muchas generaciones tienen que haber trabajado anticipadamente para que surja el filósofo; cada una de sus virtudes tiene que haber sido adquirida, cultivada, heredada, apropiada individualmente, y no sólo el paso y carrera audaces, ligeros, delicados de los pensamientos, sino sobre todo la prontitud para las grandes responsabilidades, la soberanía de las miradas dominadoras, de las miradas hacia abajo, el sentirse a sí mismo separado de la multitud y de sus deberes y virtudes, el afable proteger y defender aquello que es malentendido y calumniado, ya sea Dios, ya sea el Diablo, el placer y la ejercitación en la gran justicia, el arte de mandar, la amplitud de la voluntad, los ojos lentos, que raras veces admiran, raras veces miran hacia arriba, que raras veces aman...



Hoy deseamos que puedan detenerse un momento para reflexionar sobre lo leído y que además de disfrutarlo hagan de algunas de estas líneas un decreto sincero y personal que no solamente lo repitan con su voz sino que salga de lo más profundo de sus limpios y puros corazones.  Un abrazo a todos ustedes compañeros de inmensas alturas, contadores y coleccionista de historias, poetas, viajeros, adivinadores de enigmas, videntes, espíritus libres

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Momentos especiales en Nueva York 11, 1era. Parte

Algonquin, Algonquines, Algonquinos; ¿Qué  es o quiénes son?  Anicinàbe es la gente originaria.

Hoy deseamos comenzar nuestra entrada con una introducción un tanto más informativa referente al tema que comenzáramos en nuestra intervención anterior.  No pretendemos entrar de lleno en el tema tratado en la obra de Benny, acerca del magnífico escenario en el cual algunos de sus personajes protagonizaran tantas de sus propias historias (‘The Algonquin Round Table, o como ellos mismos preferían llamarse, The Vicious Circle’) a través de los escritos que creaban a diario para ser publicados en la prensa neoyorquina y otras tantas ciudades importantes en una época tan controversial y difícil.

Aunque al principio se pensó llamarle The Puritan, “tras conocerse el dato histórico de que las tribus de Algonquines fueron los primeros residentes del área, se toma la decisión de bautizar el hotel con el nombre de Algonquin”.

No ha sido tarea fácil explicar la procedencia de la palabra Algonquin, nombre que se le diera al tan conocido y renombrado hotel localizado en el 59 West 44th Street de la ciudad de Manhattan en Nueva York, que inicialmente se inaugurara en el año 1902 como hotel residencial y que sirviera de escenario para tantas impresionantes historias en los años en que fueron  desarrollándose los argumentos de los relatos de Benny.  Además de habernos topado con muchísima información al respecto, alguna de esta no es confiable en su totalidad.

Reconocemos que en realidad hay ocasiones en las que el equipo de STANZA se auto asigna temas que no solo se salen de lo que sería una discusión tradicional sino que su grado de dificultad es alto y nos vemos con la inmensa responsabilidad y compromiso de resolver la encomienda de manera correcta y precisa.

Existen varias vertientes respecto al origen o la procedencia del vocablo Algonquin.  Lo que se nos menciona es que su origen es desconocido, aunque el primer dato que nos ofrecen es que  la mayoría de ellos se consideran Omàmiwinini o Anicinàbe y no Algonquin; Anicinàbe significa "la gente originaria".  El segundo dato que se nos brinda es que proviene de palabras con sonidos similares pertenecientes a otras tribus y que su significado puede ser, comedores de corteza (bark eaters), aliados, gentes del lugar de cazar peces con lanzas (of the fish-spearing-place) o buenos bailadores.

En realidad Algonquin es el lenguaje por el cual las  familias lingüísticas Algonquines son nombradas.  En la actualidad existen grupos no muy numerosos, organizados en nueve naciones en Quebec y una en Ontario.  El Algonquin es un lenguaje polisintético basado en verbos relacionados muy cercanos al Ojibwe.  Algonquin se refiere únicamente a ese lenguaje, mientras Algonquines o Algonquinos se refiere a la familia entera del lenguaje.

Los indios Algonquin fueron desafortunadamente víctimas de políticos europeos, además de ser  expulsados de las vastas tierras que una vez fueron de ellos (esta es una historia que se ha repetido tantas veces).  A la llegada de los franceses (quienes fueron buenos amigos de los Algonquin, aunque no buenos aliados) entraron en el intercambio de pieles por armas de fuego.  El grupo de tribus americanas nativas, La Confederación Iroquesa (una liga de seis tribus) siendo ayudados por los holandeses y más tarde por los británicos se unieron para lograr este propósito derrotando así a los franceses y a los Algonquin.  Aunque los Algonquin fueron derrotados nunca fueron destruidos, quedando viva su cultura, resistiendo la extinción, ocupando espacios pequeños en las que una vez fueran sus tierras.

Un anciano cuenta una leyenda o tal vez una broma de mal gusto sobre la historia de los Anicinàbe, la  gente originaria que tanto dolor ha padecido y de cómo nace el vocablo Algonquin.  Les narramos la leyenda tal y como la encontramos en un manuscrito sin el ánimo ni la intención de otorgarle credibilidad.  Nuestro único propósito es el de compartir toda la información que entendamos sea pertinente para que ustedes puedan llegar a sus propias conclusiones.  De nuestra parte les podemos mencionar que sabemos que existen personas que no poseen la capacidad de demostrarse solidarios y lo que es peor aún, juzgan las cosas por lo que aparentan y muchas veces prefieren tomar asuntos tan serios como estos como cosa ligera y sin importancia.  El equipo de STANZA se solidariza con todo aquel que en la trayectoria de su existir y sus vivencias cotidianas cuente con acontecimientos donde haya sido excluido de las vertientes tradicionales.  Aunque no existe nada fuera de orden en ser un individuo con propias ideas y con un sentido de individualismo más allá de lo que la mayor parte de las personas puedan entender o tal vez, tenga la capacidad de tolerar, en este mensaje deseamos unirnos a todos ustedes para decirles que:

“Cada individuo posee el derecho inalienable de SER y EXISTIR en lo que sanamente entienda es lo que vibra en él, y que no tiene la necesidad ni la obligación de SER de otra manera solo porque a otros se les antoje criticarles o molestarse por lo que sean o simplemente porque existan.  Tal vez lo único que realmente les moleste a todos ellos sea tu luz brillando en sus ojos u opacando la poca que puedan ser capaces de proyectar.  Por todos ellos una petición que llegue muy alto para que por fin sean iluminados.”   

Mucho tiempo atrás, en la parte este de los Grandes Lagos, los mercaderes Anishinaabe se dedicaron a atrapar castores para que los europeos pudieran fabricar sombreros con las pieles.  Muchos mercaderes vinieron de Europa para negociar con los Anishinaabe.  Los mercaderes europeos cargaban sus navíos con las pieles de los castores para llevarlas a Europa.  Estos sombreros se hicieron populares poniéndose muy de moda.  Después de muchos años la población de castores disminuyó grandemente lo que hizo que la provisión de pieles escaseara.  Esta situación llegó al conocimiento de la reina de Inglaterra la cual comenzó a preocuparse, lo que la hace solicitar que un representante de la gente Anishinaabe viniera en uno de los navíos cargados de pieles para que le explicara la realidad de este asunto.  Y así sucedió, un representante de los Anishinaabe fue donde la reina y esta le pregunta, ¿cuál es la verdadera causa de la escasez de pieles de castor?  Años atrás nos enviaban barcos repletos de estas pieles.  Dígame por favor la verdadera razón.  Entonces, en ese preciso instante el hombre se pronuncia con una voz pausada y en un gesto muy humilde “All gone Queen” y así fue que se crea la palabra Algonquin.

Segmento de una cita recogida por Benny, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

Dear Friend,
I am alone because I want to be here, ALONE.
Thank you for respecting my PRIVACY.
©ANGRY ART 1986

Como hemos mencionado en nuestra introducción, este fue el nombre que se le diera al tan afamado hotel de Nueva York, escenario para historias y argumentos de los relatos de Benny.  Hemos recibido algunas aportaciones vía e mail con el interés de participar en nuestra entrada del hotel Algonquin las cuales han sido evaluadas con el propósito de utilizarlas en nuestra publicación.

Deseamos reiterar nuestro compromiso con todos los seguidores de STANZA ofreciéndoles la oportunidad de participar en nuestra próxima entrada acerca del Hotel Algonquin (afectuosamente, The Gonk).  Continúen participando, es sencillo, divertido y sobre todo colaboran con nuestro equipo de trabajo.  El equipo de STANZA les agradecerá su colaboración.  Un abrazo y un saludo de todo corazón.


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Momentos especiales en Nueva York – 10

Desde el Gonk en Nueva York, noviembre de 1902


Les saludamos con un fuerte abrazo deseándoles inmensa alegría,  plena felicidad y sobre todo una gran dosis de ENTUSIASMO.  Hoy deseamos compartir imágenes de un lugar muy importante en la historia de Benny.  En nuestro viaje a la ciudad de Nueva York en los meses de octubre-noviembre de 2013 no pudimos visitarlo como teníamos previsto.  Son muchas las citas pendientes que quedan por atender cada vez que el equipo de STANZA se embarca en uno de estos viajes, en los que podemos constatar las vivencias y tantas historias, las que Benny nos ha relatado por tanto tiempo.

Definitivamente estamos deseosos de tener  en las manos la obra impresa de Benny ya que nos hemos expuesto a tantas aventuras, las que han pertenecido a nuestro amigo apóstol y que por fin las podremos saborear con todos sus enigmas y acertijos.  Ya son muchos los momentos especiales experimentados y compartidos con Benny.  Por esta razón hoy deseamos tomar un momento para recuperar un poco de tiempo, para poder preparar nuestra próxima entrada que les aseguramos será sorprendentemente especial.  Somos fieles a nuestro compromiso con todos los seguidores de STANZA.  Por esta razón les ofrecemos la oportunidad de participar en nuestra entrada del tema que introducimos hoy, The Algonquin Hotel (The Gonk).  Este hotel abrió operaciones en el mes de noviembre del año 1902 en West 44th. Street en la ciudad de Nueva York.

    

En nuestro empeño de traerles lo mejor de nuestro proyecto hemos pensado en solicitar de todos los seguidores de STANZA, información pertinente al Gonk para incluirla en nuestra próxima entrada.  Tenemos muchas historias y anécdotas relacionadas a este espectacular lugar, aun así deseamos que ustedes se embarquen con nosotros y de esta manera participen de este nuevo viaje.  Una aventura que deseamos compartir de una manera diferente y especial.  Participen, para que tengan la oportunidad de publicar en nuestro blog.

*Al enviarnos sus manuscritos deben ser breves y precisos, a la vez de incluir una nota autorizándonos para que sus colaboraciones pueda ser incluida (publicadas) en nuestro blog-entrada.  Esperamos que nos sorprendan.

Gracias anticipadas a todos nuestros seguidores por su colaboración, tiempo e interés, por acompañarnos siempre.  Hoy nos despedimos dedicándoles a todos ustedes el éxito que hemos tenido en estos casi dos años y medio de laborar en nuestro blog.  Un abrazo sin la más mínima reserva, así como los que compartimos aquí el equipo de STANZA, abrazos que traspasan barreras y nos remontan a distancias inimaginables, llevándonos hasta la eternidad.  Hasta pronto viajeros inagotables, jinetes de las nubes.

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Momentos especiales en Nueva York - 9

Christoph Maria Schlingensief, un cineasta independiente del clandestinaje

Schlingensief, “santo bufón, buscapleitos, quien se convierte en pragmático altruista.”

En nuestras entradas anteriores les hablábamos de la acertada visita que el equipo de STANZA hiciera al MOMA PS 1 donde logramos hacer una inmediata conexión con la obra de varios artistas y pudimos develar cosas que estaban ocultas para todos nosotros.  A través de la inmensa exposición del artista alemán Christoph Maria Schlingensief (pronunciado SHLIN-gun-zeef) pudimos descubrir, entre otras cosas, varias sorpresas en el inagotable caudal de las propuestas presentadas por el artista en sus filmes.

Schlingensief fue director de cine, de teatro y de ópera, artista plástico y ensayista.  Nacido el 24 de octubre de 1960 en Oberhausen, una ciudad en la región industrial del Ruhr de Alemania, caracterizada por su población mayormente católica.  Servía como monaguillo durante su niñez, a la vez que hacía cortometrajes con una pequeña cámara de mano.

Así leía el titular de la triste noticia en varios artículos en la red:

“Muere en Berlín, hoy 21 de agosto de 2010, Christoph Maria Schlingensief, el humanitario artista alemán.”

Aun habiendo pasado sus exámenes de ingreso (Abitur) a la Universidad de Televisión y Cine de Munich, le fue denegada la entrada dos veces.  Desde 1981 estudia literatura y lenguaje alemán, filosofía e historia del arte en la Ludwig-Maximilians-Universität München, además de incursionar como músico, cuando finalmente se da de baja en 1983.  Luego de trabajar asistiendo al cineasta experimental Werner Nekes, trabaja como maestro en Hochschule für Gestaltung Offenbach y Kunstakademie Düsseldorf, convirtiéndose en gerente de producción en la serie televisiva  Lindenstraße de Hans W. Geißendörfer.

La carrera de Schlingensief fue Influenciada por Joseph Beuys, Allan Kaprow y Dieter Roth, uno de los más provocativos artistas de la vanguardia cultural alemana.  Dirigió una versión de Hamlet subtitulada Esta es tu familia, estilo nazi y escandalizó a la crítica con su puesta en escena del drama musical Parsifal de  Richard Wagner en el teatro del Festival de Bayreuth en el año 2004, dirigida por Pierre Boulez (la misma no fue filmada).

“Maybe the most surprising turn in Mr. Schlingensief’s career came in 2004, when he produced Richard Wagner’s “Parsifal” for the Bayreuth Festival — or maybe not so surprising, considering the interest he shared with Wagner in the idea of the Gesamtkunstwerk, or the total work of art.  His setting of the opera in Namibia and translation of its medieval symbolism into African tribal imagery, combined with his chaotic mix of live performance and film projections, reportedly elicited an equal mix of boos and cheers from the opening-night audience.”

Una nota de presentación que anunciaba la exposición en el MoMA PS1:

The Art of Christoph Schlingensief at MoMA PS1, organized in conjunction with the presentation of his work.  This series of screenings contextualizes Schlingensief’s filmic production—little known in the U.S.—within that of his peers and influences.  Organized by Stuart Comer, Chief Curator, and Stephanie Weber, Assistant Curator, Department of Media and Performance Art.

“Many amusing and inspirational stories are told at MoMA PS1 in Christoph Schlingensief exhibition.  A persuasively hagiographic survey of the amazingly adventurous career of one of Germany’s most celebrated artists of recent times.”  

The exhibition’s major sculptural work, “The Animatograph,” was produced in 2005-6.  It’s a revolving carousel that viewers may enter and explore, presented in a dark room.  Its Halloweenish two-story labyrinth of cramped, grungy spaces, illuminated from within and without by spotlights, has a portentous gloom that calls to mind the dour Expressionist painter and sculptor Anselm Kiefer.  A video in which Mr. Schlingensief explains a diagram of the sculpture is more amusing; it’s like Beuys channeled by Prof. Irwin Corey.

“Everything was possible in the world of the polymath Christoph Schlingensief.  Combining his irreverent sense of humor and obsessive knowledge of film history in a tireless attempt to upset Germany’s postwar complacency and neurotic relationship to its own past through camp, absurdity, and horror, Schlingensief was Germany’s artistic enfant terrible and obnoxious social conscience until his untimely death from cancer.”

Many different opinions say about his work, “Mr. Schlingensief may or may not have been a great artist — it’s hard to say. But, if you judge by this show, he was certainly a galvanizing personality.”

What may ultimately be his most lasting contribution to humanity is a nonprofit project called Opera Village Africa,
in Burkina Faso, in western Africa (between Ghana to the south and Mali to the north), which he initiated in 2008, around the time he learned that he had lung cancer, which would kill him in 2010 (he was a nonsmoker.)

Still under construction and under the direction of Mr. Schlingensief’s widow, Aino Laberenz, the Opera Village will center on an opera house, with surrounding buildings for art, education and health programs, all designed by Diébédo Francis Kéré, a Burkina Faso-born architect.

“For his final act, the troublemaking holy fool turned into a pragmatic humanitarian.”

    

LEGADO

Década del 90
1990–1993 dirigió  una serie de películas conocida como La Trilogía Alemana.
•    1993 dirigió su primera pieza en escenario "100 Años de CDU " en el Volksbühne, Berlín
•    1994 Kuhnen "94, Tráiganme la cabeza de Adolf Hitler! En el Volksbühne, Berlín
•    1996 Director de la película United Trash
•    1996 Rocky Dutschke en el Volksbühne, Berlín
•    1997 My Felt, My Fat, My Hare, 48 Hours Survival for Germany (Dokumenta X, Kassel)
•    1997 Passion Impossible, Wake Up Call For Germany, Deutsches Schauspielhaus Hamburg y Station Mission para los deambulantes
•    1998 Chance 2000, an Election Circus, Prater Garden, Berlín y otras localidades a través de la nación
•    1999 Freakstars 3000 en el Volksbühn, Berlín

Década del 2000
2000 Foreigners out! Schlingensiefs Container (Opera Square, Vienna, en asociación con el Burgtheater)
•    2001 Hamlet, This is Your Family—Nazi Line en Zürich, Suiza y en el Volksbühne, Berlín en colaboración con Übermorgen
•    2002 Atta Atta—Art Has Broken Out! en el Volksbühne, Berlín
•    2003 Fundó la "Church of Fear" en la Bienal de Venecia
•    2003 Dirigió Bambiland, de Elfriede Jelinek en el Burgtheater en Viena
•    2004 Dirigió Parsifal de Richard Wagner en el Bayreuth Festspielhaus 
•    2004 Creó Kunst und Gemuese en el Volksbühne, en Berlín
•    2005 Estrenó The Animatograph en Reykjavík, Islandia (varias manifestaciones, continúa al presente)
•    2006 Dirigió Area 7, a St Matthews Expedition en el Burgtheater en Viena
•    2006 Estrenó Kaprow City una instalación-performance en el Volksbühne en Berlín
•    2007 Dirigió The Flying Dutchman en el Teatro Amazonas, Manaus
•    2007 Creó una nueva serie de ‘talk shows’ Arte televisión, The Pilots
•    2008 Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir (Landschaftspark Duisburg-Nord)
•     2009 Mea Culpa – eine ReadyMadeOper (Burgtheater, Viena)[
•    2009 Sterben lernen
•    2010 Remdoogo – Via Intolleranza II (Bayerische Staatsoper, Munich)

Hoy nos despedimos de ustedes queridos seguidores de STANZA.  Deseamos poder concertar una cita para un pronto encuentro.  Queremos tener una nueva oportunidad de  traerles abundantes conocimientos para que todos, en este compartir, seamos bendecidos abundantemente con lo que han legado los viajeros que se atrevieron a navegar profundamente en la vastedad de un firmamento que aun aguarda por la aportación de tantos.  Todos estos navegantes se han convertido en maestros (de sus propios conceptos y creaciones) porque al ser convocados fueron a la vez iluminados.  Han dejado una herencia inmensa para que nosotros podamos participar de ella.  Hoy les enviamos un abrazo profundo.

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Momentos especiales en Nueva York - 8

Homenaje a una artista con lenguaje propio 

"I Need the Real Body"
“Body-awareness painting - that's what Maria Lassnig calls the self-portraits, portraits, and still lifes in which she depicts bodily sensations. Initially influenced by Surrealism and Informal, the Austrian artist, completely divorced herself from stylistic models and developed her own artistic language. In her powerful paintings she was one of the first women artists to put the female body at the center of her work and thus became a model for subsequent generations.”  Extracto de una entrevista con Maria Lassnig.

Maria Lassnig, Painter of Self From the Inside Out, Dies at 94.  Con este título comenzaba el artículo de prensa por Randy Kennedy el 9 de mayo de 2014.

“Maria Lassnig, an Austrian painter whose fierce devotion to self-portraiture — in lacerating, darkly funny, often grotesque ways — led her through decades of obscurity to a celebrated late-flowering career, died on Tuesday in Vienna. She was 94.”  Randy Kennedy

Como mencionáramos en nuestra entrada anterior, en nuestra visita al MOMA PS 1 nos encontramos con varias maravillas, incluyendo la exposición de la artista austriaca María Lassnig, nacida el 8 de septiembre del 1919.  Lassnig estudia en la Academia de Bellas Artes de Viena durante la segunda querra mundial.  Hoy deseamos hacer homenaje a María, quien falleciera el pasado 6 de mayo.  Aquí les presentamos parte de las obras que disfrutamos en su exposición.  A través de la obra de esta artista podemos ver cómo predomina el autorretrato con su teoría de ‘body awareness’.  María fue la primera mujer artista en ganar el premio Grand Austrian State Prize en 1988 además de concedérsele el Austrian Decoration for Science and Art en 2005.  Lassnig vivió y enseñó en Viena desde 1980 hasta su muerte.

Durante la década de los 50, Lassnig formó parte de un grupo llamado Hundsgruppe (Dog Pack Group) al cual pertenecieron otros artistas conocidos incluyendo a Ernst.  El trabajo de este grupo de artistas era influenciado por el expresionismo abstracto y lo que se conocía como ‘action painting’.  En 1951, en su viaje a Paris, la artista conoce a André Breton y a los poetas Paul Celan y Benjamin Péret.  Aunque Maria comenzó su carrera como pintora del abstracto, siempre se hacía autorretratos.  En 1948 Lassnig acuña el término "body consciousness" para describir su práctica en la que la artista representaba las partes del cuerpo que ella sentía cuando estaba trabajando.  Es por esto que en muchos de sus autorretratos hay partes del cuerpo que faltan o son representadas en colores no naturales.  Ya para la década de los 60 Lassnig se va separando del abstracto y comienza a enfocarse más en el cuerpo humano y la psiquis.  Desde 1968 hasta 1980 Maria  vivió en Nueva York.  Entre 1970 y 1972 la artista estudia cinematografía en la School of Visual Arts en Nueva York y fue durante estos años que la artista produjo seis cortometrajes.  Su más famoso corto, Kantate (también conocido como The Ballad of Maria Lassnig) fue producido en 1992,  a la edad de setenta y tres años.
 
En el 1980 regresa a Viena como profesora de la University of Applied Arts, convirtiéndose en la primera mujer artista en enseñar pintura en un país de habla germánica.  Ya adentrada en sus sesenta años, Lassnig comienza a adquirir reconocimiento, especialmente en Europa.  Así, tan tarde en su vida, es que obtiene muchos logros y participa en grandes exhibiciones.

Exhibiciones
1980: Venice Biennale, 1982 y 1997: participa en Documenta, 1996: una restrospectiva de su trabajo en el Centro Georges Pompidou, 2005/2006: participa en la temporada de ópera en el Vienna State Opera, diseña en gran escala, Breakfast with Ears (concebida por museum in progress) para ‘Safety curtain’, la serie que se estaba presentando; 2008: una exhibición de sus pinturas recientes en la Serpentine Gallery, que luego se llevara en el 2009 al Contemporary Arts Center en el Lois & Richard Rosenthal Center for Contemporary Art en Cincinnati, en esta exhibición se expusieron treinta lienzos y siete películas.

Legado
La crítica de arte señala la influencia que ha tenido el trabajo de Lassnig sobre los artistas contemporáneos, artistas tales como, Nicole Eisenman, Dana Schutz, Thomas Schütte y Amy Sillman.

Reconocimientos
Grand Austrian State Prize for Visual Arts (1988), Oskar Kokoschka Prize (1998), Roswitha Haftmann Prize (2002),  Rubens Prize of the City of Siegen (2002), Max Beckmann Prize (2004), Austrian Decoration for Science and Art (2005), Golden Lion for Lifetime Achievement (con Marisa Merz) en la  55 Venice Biennial  (2013).


    


Hoy les decimos hasta pronto queridos seguidores de STANZA, esperando siempre poder presentarles historias repletas de ricos conocimientos para que sus vidas, al igual que las nuestras, sean abastecidas de la abundancia que permea en los legados de tantos, de los que han estado antes que nosotros, los que han dejado para que seamos partícipes de una cosecha ilimitada de logros.  Un abrazo a todos y cada uno.  Y ahora disfruten de las siguientes líneas que Minerva Cecilia nos dejara para estos maravillosos encuentros o tal vez estas necesarias despedidas.

“Al recordar el sueño original que nos trajo aquí nos convertiremos en protagonista de episodios que despierten el ESPÍRITU y lo animen poderosamente a la acción, activando la CONSCIENCIA para que podamos percibir lo que sucede dentro de nosotros sin importar lo que esté ocurriendo a nuestro alrededor.”  Cita tomada de Uno de esos relatos detallados de mí Cecilia
 
Un hermosa cita que Ceci transcribiera en las páginas de Uno de esos relatos detallados de mí Cecilia

“A través de las letras que se escriben con las plumas, se levantará al hombre hacia el cielo como lo hacen con los pájaros”.  Adaptación de Sobre la importancia de llevar un cuaderno de notas.  Leonardo da Vinci

*Como podemos observar mí Cecilia era una mujer obediente, pero sobre todo entregada a la única verdad, la compasión que produce el amor que ha podido renacer.  Mí Cecilia, era Compasiva Amante.

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Momentos especiales en Nueva York - 7

Hábil Ilusionista de la desaparición, alteración y reaparición

En nuestra visita al MOMA PS 1 nos encontramos con varias maravillas, en particular las instalaciones y exposiciones de tres grandes artistas.  Hoy nos ocupa la huella permanente que ha dejado allí el renombrado artista William Kentridge.  A través de la monumental obra de este artista podemos adentrarnos en su interesante, simbólico-real mundo.

William Kentridge es un artista nacido el 28 de abril de 1955 en Johannesburgo, Sudáfrica.  Kentridge es mejor conocido por sus collages, dibujos, grabados y películas animadas.  Además de obtener su título en estudios africanos y  política en 1976, estudia arte en la fundación de arte de Johannesburgo.  En 1977, luego de participar en la Bienal de Johannesburgo y la Bienal de La Habana, al igual que en Documenta X, atrajo mucho la atención.  El artista, a través de la exploración y el uso de videos y dibujos, alcanza a presentar una vista emblemática del estado actual de Sudáfrica.  En 1981 se mudó a París para estudiar teatro en L’École Internationale de Théâtre Jacques Lecog.  Fue durante este tiempo que tuvo la oportunidad de trabajar como diseñador para producciones de películas a la vez que enseñaba técnicas de grabado.  Se le presenta la oportunidad de ser director de arte para series televisivas, lo que le condujo a comenzar a crear películas animadas con sus propios dibujos.

Aunque su obra no está relacionada directamente con la época de la segregación racial, ha adquirido fama internacional como artista que trabaja con temáticas sobre el colonialismo y el apartheid.  Sus cortometrajes están ambientados en la industrial y minera Johannesburgo, emblema de abuso e injusticia.  Su obra es construida mayormente filmando sus dibujos, borrando, cambiándolos y volviéndolos a filmar.  Continua este proceso meticuloso alterando cada dibujo hasta el final de la escena, luego estos son mostrados como películas de arte.  Aparte de sus dibujos y películas, una parte integral de su carrera está unida a su pasión por el teatro.  Desde 1975 a 1991 fue miembro de The Junction Avenue Theatre Company, en Johannesburgo y Soweto.  En 1992 empezó a colaborar como actor, director y diseñador de escenografía en The Handspring Puppet Company.  Esta compañía, que interpreta obras como Woyzek, Fausto y Ubu Rey, crea piezas multimediales usando marionetas, actores y animación.

Trabajos cinematográficos:
1989 Johannesburg: 2nd Greatest City After Paris, 1990 Monument, 1991 Mine, 1994 Felix in Exile, 1996 History of the Main Complaint, 1996-97 Ubu Tells the Truth, 1998 Weighing and Wanting, 1999 Stereoscope, 2001 Medicine Chest, 2003 Automatic Writing.  Sus películas fueron mostradas en el  Festival de Cannes del 2004.

Exhibiciones:
1997 Documenta X, Kassel; 1998 Bienal de São Paulo; 1998 The Drawing Center, Nueva York; 1999,  Barcelona Museum of Contemporary Art, Bienal de Venecia; 2000 Bienal de La Habana; 2003 Goodman Gallery, Johannesburgo; 2004 Metropolitan Museum, Nueva York; 2005 Musée d'Art Contemporain,  Montreal; 2006 Johannesburgo Art Gallery, Salzburgo Museum der Moderne, Museum of Contemporary  Art, Chicago; 2007 Smith College Art Museum, Museum of Modern Art, Nueva York, University of Brighton Gallery, Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil; 2008 Williams College Museum of Art, Philadelphia Museum of Art, Biennale of Sydney, Australia; 2009 Chicago Museum of Contemporary Art, Museum of Modern Art, San Francisco, Modern Art Museum of Fort Worth, Henry Art Gallery, Seattle, The National Museum of Modern Art, Kyoto, The Norton Museum of Art, West Palm Beach; 2010 Museum of Modern Art of Nueva York, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Colorado Springs Fine Arts Center, Juego de Palma, Paris and Louvre, Paris, Albertina, Vienna, Museum of Israel, Jerusalem, 2011 Moma, New York, MACO, Oaxaca.

Premios:
1982 Premio Red Ribbon para Short Fiction; 1986 Premio Market Theatre para la exhibición New Vision, Premio AA Vita en Cassirer Fine Art; 1987 Premio Standard Bank Young Artist Award; 1992 Premio Woyzeck for Production, Set design & direction; 1994 Loerie Award memo; 2003 Goslar Kaiserring; 2004 Carnegie Medal, Honorary Doctor of Literature from the University of the Witwatersrand; 2006 Jesse L Rosenberger Medal from the University of Chicago; 2010 Kyoto Prize; 2012 Dan David Prize; 2013 Commandeur des Arts et des Lettres.


    


Hoy les decimos hasta muy pronto aprovechado la ocasión para recordarles que estaremos siempre compartiendo estas experiencias positivas con todos ustedes, seguidores de STANZA.  Deseamos obsequiarles con un poco más de lo que nos dejara escrito Minerva Cecilia, la madre de Benny, en las páginas de su diario. 

“Esta pequeña persona poseedora de un espíritu  iluminado aprende todo lo que se le enseña con mucha facilidad y sin el mínimo esfuerzo.  Algo que nos hace difícil tratar con Benny es su empeño en saber más de lo que somos capaces de enseñarle.  Dada nuestra condición de personas de poca instrucción nos encontramos en apuros cuando Benny analiza los postulados que le proponemos y que la mayor parte de las veces no tenemos en que fundamentarlos.  Benny es un niño extremadamente inteligente y talentoso; sobre todo, demuestra poseer aptitudes artísticas que van desde el dibujo, la pintura, la escritura, la música, en fin todo tipo de expresión humana donde se pueda manifestar la creatividad de un espíritu que ha nacido libre de prejuicios y dotado de abundantes habilidades, las que será capaz de compartir con todos.  Cecilia y Lucía, protegeremos a Benny contra toda cosa que pudiera influenciarle en su sano crecimiento y desarrollo.  

Desde muy temprano Benny demostraba intereses intelectuales muy por encima de lo esperado para un niño de su edad y es que Benny viene al mundo con una conciencia, con una  encomienda, una misión con carácter de mandato, y aun así, bajo propia voluntad.  Benny posee título de elevado rango espiritual, así como el de apóstol, el que se le concedió desde antes de ser engendrado y es que nuestro Benny fue pensado y soñado por lo supremo, al igual que toda la creación, pero que en el momento del parto, del hacerse a la LUZ, sucedieron eventos extraordinarios y el descenso de Benny se convirtió en el impactante acontecimiento que bendecirá a todo el que se allegue, a todo el que se  acerque a beber, porque Benny es pozo, es fuente y manantial.  Nicholas, Nicholas Benedict, Benny, Nicholas BENDECIDO, hay BENDITO Nicholas.”     Cita tomada de Uno de esos relatos detallados de mí Cecilia

Para ver el video de la exhibición Refusal of Time de W. Kentridge del museo Metropolitano de Nueva York, vaya a la página de HAPPENINGS.

Los esperamos, En Mi Escenario y El Atelier de Benny, disfruten, esperamos sus comentarios.

Momentos especiales en Nueva York 6

Portrait of a Textile Worker

Agradecemos a nuestros seguidores por acompañarnos hoy y siempre en este proyecto de todos y aprovechamos la oportunidad para reiterarles nuestro compromiso de mostrarles siempre un camino de nuevas y vividas experiencias las que nos permiten reflexionar sobre asuntos que nos tocan a todos de una u otra manera.  Qué dulce es compartir esos momentos de epifanía que en ocasiones enfrentamos, en los que se nos revelan secretos  y a la vez se nos ilumina.
Terese Agnew recibe su merecida exposición y reconocimiento en  Craft in America de la PBS
“We’re always trying to increase productivity and consume more, and my work is the opposite of that.”

Esta es parte de la historia de la sábana de una artista que consigue conectar el padecimiento y el dolor de los trabajadores de la industria de los textiles con la ropa que compramos y vestimos, lo que para muchos frívolamente es tan importante porque es lo que está IN, lo FASHION.  Lo que les presentamos en esta ocasión es el material acerca de un documental nominado para un Emmy, ganador del Peabody Award, presentado en “Craft in America” por la estación televisiva PBS, el 11 de mayo de 2012 a las 9 de la noche.  Aparte de su increíble ejecutoria, estas piezas (conceptual quilts) son ricas en ideas así como en sofisticación visual y construcción.  Estos trabajos están inspirados en historias personales y dotados de una increíble dosis de conciencia social.  Para “Portrait of a Textile Worker”, Agnew utilizó miles de etiquetas que fueron donadas por personas alrededor del mundo entero.

A la vez que presentamos el trabajo de Agnew, debemos recordar las sábanas de las artistas y maestras Faith Ringgold, a quien hemos reseñado anteriormente en nuestro blog, quien trabaja el tema de la experiencia de los ciudadanos afroamericanos y quien a su vez ha trabajado en una pieza sobre el Presidente Barack Obama; además nos viene a la mente la artista Consuelo Jiménez Underwood, quien nos cuenta, a través de su expresión artística, su experiencia de niña trabajadora en los valles del centro de California, piezas en medios mixtos de inmenso formato, los que celebran a trabajadores inmigrantes y gente indígena.

Esta porción de nuestra entrada de hoy, en parte, es un extracto de la entrevista hecha por Glenn Adamson, vía email, a Terese Agnew, desde el 2 de Noviembre hasta el 11 de Noviembre de 2003.

Originalmente Terese Agnew deseaba ser escritora e ilustradora de libros infantiles.  El trabajo de Terese ha evolucionado desde sus primeras escultura, hasta los densos bordado de sus sábanas a través de un proceso al que ella le ha llamado ‘Drawing with thread’.   En La creación de sus sábanas (en la costura como medio) encontró el sentido de calidez y seguridad, el que se podía conjugar con mensajes acerca de temas de la vida diaria, incluyendo la política, (temas que ella promueve) trayéndolos a la discusión a través de sus obras.  Los temas de su obra mayormente son de índole social y ambiental.  Terese Agnew, es una artista que expresa su arte en una variedad de medios y que a través de su trabajo ha introducido temas que envuelven los espacios públicos y las comunidades invirtiendo mucho tiempo y esfuerzo para alcanzar el efecto estético y un tanto del sentido del humor que a veces se hace tan necesario al tocar la delicada temática que presenta en estos proyectos.

Al momento de esta entrevista, Agnew se encontraba completando el proyecto que lleva por título Portrait of a Textile Worker, del trabajador de los llamados SWEATSHOPS (desde tiempos inmemorables).  Esta magnífica sábana estaba siendo construida totalmente con miles de etiquetas de ropa de diseñadores que se unían por medio de puntadas de costura.  La imagen está basada en una fotografía de la autoría del fotógrafo-activista Charles Kernaghan y quien a su vez es presidente del National Labor Committee, con sede en Nueva York.  En la imagen, la cual fue seleccionada entre cientos de fotos que el mismo National Labor Committee envió para ayudar en el proyecto, vemos a una trabajadora de una fábrica de Shah Makhdum en Bangladesh.

No mucho después de su viaje a Bangladesh, Charles Kernaghan viajó a través de los Estados Unidos con dos trabajadoras nicaragüenses de la industria del textil, en protesta  y denuncia de los abusos de estos SWEATSHOPS alrededor del mundo.  En Milwaukee, las jóvenes mujeres hablaron, a través de un traductor, acerca de cómo tienen que luchar para poder vivir y comer con lo poco que se les paga, haciendo una descripción detallada de los abusos a los que ellas y muchas otras son sometidas, abusos tanto físicos, sicológicos como sexuales. 

“La foto original del arte finalizado se imprimirá y se reproducirá, al igual que afiches, los cuales se le ofrecerán a organizaciones que luchan contra los abusos que continúan siendo practicados por estas empresas (SWEATSHOPS) alrededor del mundo.”  Cita de Terese Agnew

Agnew ha resistido la tentación de obtener grandes cantidades de etiquetas directamente de los fabricantes, optando por utilizar únicamente las recibidas por la inmensa cantidad de personas comunes, organizadores de trabajadores, estudiantes, trabajadores, amigos, familiares, conocidos y personas que de alguna forma se enteraron del proyecto y que han querido contribuir con la noble causa.  La artista ha recibido etiquetas de personas de todos los Estados Unidos (Nueva York, California, Maryland, Alaska, Texas, North, Carolina, Florida, Pennsylvania, Illinois) muchas del propio Wisconsin, además de otras partes del mundo.

Aunque al escuchar sobre el proyecto se pueda percibir una intención de carácter político (por el tema que este trata) al observar el excelente trabajo realizado por Agnew vemos un artefacto que es específicamente acerca de una trabajadora ( la que representa a muchos) de la industria de los textiles, su retrato, el que nos lleva a concienciar a través de un análisis del tema de la globalización y la explotación de no solo una mujer sino de millones de trabajadores y nos permite que entremos en la difícil experiencia de su vida diaria.  A continuación citamos textualmente, en su idioma, la entrevista de G. Adamson a T. Agnew.

Adamson: It struck me when I visited your studio that you must be spending at least as much time working on acquiring labels as you are making the object - maybe more so.  This is an interesting change from your previous work, where I think the time actually physically invested in the quilts you were making created a kind of hovering air of extreme commitment for the viewer.  Not that sewing this quilt together isn't also time-intensive! But it seems less so, at least in proportion to the overall size of the project.  By displacing much of your effort into relating to your community of helpers, it seems like the 'craft' element and the sense of ethical work (which is very artist-centric, even if it is progressive) that is often associated with craft has been displaced by a more conceptual, social engagement. Would you agree with that?  If so, does it mean that this is less a work of craft and more a work of conceptual art than your previous quilts, or not?

Agnew: First of all why do you say the sense of ethical work is very artist-centric? I introduced the project at a Milwaukee County Labor Council Delegates meeting last January… here's a quote from my talk: I want to join the effort to reconnect consumers to the people that make our clothes - as an artist.  People all over the planet are working on the problem of devalued labor.  It's a classic global subject that's pre-feudalism, pre-pyramids.  Do you mean that we define ourselves within an ethical structure of our own choosing and that's reflected in my art?  That's certainly true - but it's influenced by the people and events that surround me.

I always liked this quote by Leon Golub: "…as artists, we're in the consciousness raising industry."  So as an artist my job is to be a good observer and get people to notice things - both visual and conceptual.  Label contributors are participating in that effort too.  One of the things about hundreds of people helping to realize this work is that it creates a louder sense of knowing, as in: "We see what you are doing, YOU'RE NOT FOOLING US ANYMORE."

As to the labor-intensive nature of my work in general: we live in a 24-hour-fire-sale culture.  The inevitable evolution of the economic system swept us to this point - powered by power, not the least of which was its own power - and now it's running at road burning speed: MAKE MORE FASTER. So my work, which takes years to make, resists the pragmatism that the system imposes on our daily lives.  My process can't be justified in any practical way.  That in itself begs the question "Why would someone bother to do this?"  I think it grants greater consideration to the subject.      

“The aesthetic of particularity is enhanced by the accumulation of wear and tear on each of the labels in the image.”  

El mayor deseo de Tererse es que cuando la pieza se exponga, sea acompañada por una etiqueta más, pero esta vez se trata de la clase de etiquetas que encontramos en los museos al fondo de las obras, la que nos brinda la información sobre la misma, que muestre los nombres de todos los que contribuyeron al proyecto.

G. Adamson es curador de la Fundación Chipstone, una organización de Fox Point, Wisconsin que auspicia becas en las artes decorativas.  Colabora en la creación de exhibiciones del Milwaukee Art Museum, a la vez que se desempeña como profesor en la Universidad de Madison, Wisconsin.  Frecuentemente escribe artículos sobre temas del arte y la artesanía contemporánea para publicaciones tales como American Craft, así como para catálogos de exhibiciones de diferentes  museos.  Las sábanas de Terese son parte de la colección permanente del Smithsonian American Art Museum, Renwick Gallery y del Milwaukee Art Museum, entre otras.  Antes de  que Terese encontrara las sábanas como medio de expresión, creaba instalaciones de arte público, las que podemos ver en su sitio web, www.tardat.com.


    


En esta ocasión nos despedimos con unas líneas que dejara escritas Minerva Cecilia, la madre de Benny, en las páginas de su diario.  Ceci, quien además de tener que enfrentarse al trabajo de los SWEATSHOPS en la ciudad de Nueva York en una época de pocos recursos y de escasez material, en ocasiones tenía que debatirse entre asuntos del bien, lo correcto, las cosas de la conciencia y el deber moral que tenía para con su hijo.  Pero Ceci era de carne y hueso, estaba hecha de humanidad y muchas veces ensordecía ante las luces de sus aspiraciones, siendo atropellada por las sombras de su entorno, en lo que se había convertido su realidad, lo que en ocasiones hacía que se empañaran las visiones que se le habían mostrado.  Comenzaba a verlo todo tan distante porque…

“Este era el comienzo de una vida ‘FÁCIL’, si podemos entender lo que implica el significado de estas palabras en el sentido que pueda tener para una mujer joven,  en una edad de tan limitadas y vulnerables capacidades de discernimiento… Así es que bajo un profundo sentimiento de soledad y acto de desesperación, hambre y miseria, sucumbe Cecilia a la oferta de incorporarse a un grupo de mujeres que por diversas circunstancias coinciden en esta travesía a la que cada cual, en sus capacidades, le llama como quiere o como puede.  Algunos sienten llamarle vida, pero por alguna razón se limitan a tomarla o a aceptarla como un castigo, una condena perpetuada en el dolor y el sufrimiento o hasta la denominan una maldición.”

Aun así,  como dice la poetisa, desconocida para tantos, pero tantas veces leída por mis intervenciones en secreto.  Una de esas personas que se convierten en algo muy necesario e importante, a quien la vida se empeña en ponerle en el camino y de alguna manera la recibes y la haces parte del destino al que todos tenemos derecho.  Es importante mencionarla, aunque mantenga en  secreto su identidad.  ¿Por qué?

“Es que he tenido que aprender a SER agradecida por lo que la vida me ha obsequiado y aunque a veces, en apariencias, la vida misma me ha dotado con limones, y no porque así yo lo piense (diciendo esto únicamente por los estándares en los que se ampara la sociedad y no por propia convicción) cuando fijo mis ojos en los impulsos que nacen de mi alma me encuentro con los frutos más dulces que puedan ofrecerse a SER alguno.   Esta fuente de inagotables y caudalosos manantiales, sorprendentemente ha caminado por senderos de sombras, recorriendo las entrañas profundas de un paisaje sombrío y exponiendo su rostro tantas veces a las tempestades que se han apoderado de ella y aun así, fijando la mirada en la luz, alcanzando rasgar el límite de la locura-cordura para escapar a lo no real…esta historia no pretende juzgar, solo se cuenta tal y como sucede.”

Así un día me decía mi musa a través de la rima de su prosa magnífica y elocuente, llevándome muy alto sobre los picos de sus sueños, mostrándome sus verdades desde su propia y cruda  realidad.  Esta vida, como yo prefiero llamarle o castigo, condena perpetua o maldición como algunos se empeñan denominarla, nos ofrece la oportunidad de someternos a experiencias evolutivas.  Pruebas que aunque en la mayoría de los casos son dolorosas, son necesarias para nuestro crecimiento, conocimiento personal y finalidad de nuestra propia existencia.”     Cita tomada de Uno de esos relatos detallados de mí Cecilia

Hoy celebramos el segundo aniversario de El Atelier de Benny, un blog creado como foro de expresión para nuestros seguidores.  Visítalo y participa, es sencillo y de gran utilidad.
  
Los esperamos en la página de HAPPENINGS y En Mi Escenario, disfruten, esperamos sus comentarios.